안녕하세요

아트어드바이저 지연입니다.

최신 해외 미술 소식을 배달하는 아트레터가 왔습니다. 💌

여름이 벌써 이만큼 와버렸다니 새삼 놀랐답니다. 지난 뉴스레터를 하지가 오기 전에 보냈는데 벌써 대서라니요. 김신지 작가님의 <제철 행복>을 읽으며 서울과 비슷하지만 미묘하게 다른 뉴욕의 계절을 보내고 있습니다. '해가 지지 않고 지치지 않는' 하지에 유난히 늦은 밤까지 일을 하곤 했습니다. 그렇게 키워내고 있는 결과물이 어떻게 결실을 맺을지 기대하며 여전히 달려나가는 여름입니다. 더위를 식히며 미술 이야기를 들어보셔도 좋겠지요.

그럼 이번 주의 흥미로운 미술 소식을 살펴볼까요?

1. 갤러리도 아트페어도 지쳤다, 미술계에 울리는 리셋 신호

7월 상반기에 글로벌 미술계에 파장을 일으킨 뉴스가 이어졌습니다. 미국의 영향력있는 두 갤러리, 로스앤젤레스의 블럼 갤러리 (Blum Gallery)와 뉴욕의 비너스 오버 맨해튼(Venus Over Manhattan)갤러리가 잇달아 폐관을 선언한 것입니다. 여기에 미국 아트 딜러 협회(Art Dealers Association of America)가 1988년부터 매년 열어온 뉴욕의 대표적인 아트페어 The Art Show의 2025년 개최를 취소하기로 전격 결정하면서, 미술 시장이 하나의 변곡점에 다다랐다는 인식이 확산되고 있습니다.

요시토모 나라, 무라카미 다카시, 마크 그로찬 등 세계적인 작가들을 소개하며, 30년 이상 활동해온 베테랑 갤러리스트 팀 블럼의 로스앤젤레스와 도쿄 갤러리 폐관 소식은 많은 이들에게 놀라운 것이었습니다. 이번 결정에 대해 블룸은 “경기 불황의 문제가 아니라, 시스템 자체에 대한 피로감 때문”이라고 밝혔습니다. 그는 수많은 아트페어와 전시, 끊임없는 프로그램 운영에 따른 소모를 지적하며, 이제는 고정된 공간이나 긴 작가 명단 없이 더 유연하고 프로젝트 중심적인 방식으로 미술계에 참여하겠다고 말했습니다. 아트 바젤 한 곳에만 45만 달러 이상의 비용을 지출하고도 실질적인 구매자가 줄어드는 현실 속에, 전통적인 갤러리 모델의 지속 가능성에 의문을 던지고 있습니다.

비슷한 시기, 뉴욕의 유명 갤러리인 비너스 오버 맨해튼도 문을 닫았습니다. 설립자 애덤 린더만은 공개서한을 통해 “딜러로도, 컬렉터로도 충분히 활동해왔지만, 이제는 하얀 깃발을 들 시간”이라고 말하며, 다시 자신의 컬렉션과 개인적인 수집 활동에 집중하겠다는 계획을 밝혔습니다. 그는 갤러리스트와 컬렉터라는 이중적 정체성이 가져오는 혼란, 그리고 아트페어 참여의 비효율과 피로함을 솔직히 털어놓았습니다. 갤러리는 닫지만 “다음 아트페어에서 다시 만날 것”이라고 덧붙인 그의 말에서, 미술 시장에 접근하는 방식의 변화를 읽을 수 있었습니다.

이와 함께, 미국 아트 딜러 협회(ADAA)는 2025년 10월에 열릴 예정이었던 The Art Show 아트페어를 쉬어가기로 결정했습니다. 단순한 행사 취소가 아니라, 변화하는 환경 속에서 장기적으로 지속 가능한 방식으로 아트페어 모델을 재정립하겠다는 계획입니다. 새로운 전시 포맷 실험과 후원해온 비영리 단체를 위한 온라인 펀드레이징 등 디지털 기반의 대안이 모색될 예정입니다.

실제로 최근 발표된 아트 바젤/UBS 아트마켓 보고서에 따르면, 2024년 세계 미술품 및 골동품 시장은 2년 연속 하락세를 기록하며 전년 대비 12% 감소했습니다. 팬데믹 이전 수준을 아직 회복하지 못한 아트페어 거래 규모와, 딜러들이 체감하는 열기 저하는 이제 단기 현상이 아닌 구조적 문제로 여겨지고 있습니다.

전통적인 갤러리와 아트페어 중심의 사업 모델은 지금 근본적인 재편을 요구받고 있습니다. 고정된 전시장, 오프닝 중심의 문화, 아트페어 참가를 통한 판매 중심 전략은 여전히 유효한가? 작가와 컬렉터, 갤러리 모두가 물리적 공간이나 고정된 운영비에 의존하지 않고 더 유연하고 창의적인 방식으로 연결될 수는 없는가? 라는 질문에 답을 찾기위해 갤러리와 아트페어가 쉬어가기를 선택하고 있습니다. 이것은 단지 위기 대응이 아니라, 미술 시장이 더 지속 가능하고 의미 있는 관계로 전환하기 위한 자연스러운 진화일지도 모릅니다. 지금 미술계는 ‘성장의 신화’에서 벗어나, 진정한 가치와 방향을 다시 묻는 시기에 들어섰습니다.

2. 미술품 대신 공룡과 핸드백? 경매 시장의 지형이 바뀌고 있다.

미술 시장이 부진한 흐름을 이어가는 가운데, 세계의 주요 경매사들이 새로운 시장에서 주목할 만한 성과를 내고 있습니다. 최근 수천만 달러에 낙찰된 공룡 화석과 에르메스 버킨백은 이례적 사례가 아닌, 수집 문화의 흐름 자체가 바뀌고 있음을 보여주는 신호처럼 보입니다.

가장 최근 사례는 7월 16일 뉴욕 소더비 옥션에서 낙찰된 세라토사우루스 화석입니다. 예상가 600만 달러(약 83억 원)를 훌쩍 뛰어넘은 3,050만 달러(약 423억 원)에 낙찰되며, 공룡 화석으로 역대 세 번째 최고가를 기록했습니다. 이 화석은 1996년 와이오밍의 발굴지에서 출토돼 오랫동안 유타의 고생물 박물관에 전시되었던 표본입니다.

이는 작년 뉴욕 소더비 옥션에서 현재 공룡 화석 최고가인 4,460만 달러(약 618억 원)에 낙찰된 스테고사우루스 ‘에이펙스 Apex’의 뒤를 잇는 사례입니다. 해당 화석은 미국의 투자자이자 컬렉터인 켄 그리핀이 구매해, 현재 뉴욕 자연사박물관에 전시 중이죠.

이번 경매에서는 화성에서 온 운석도 경이로운 기록을 세웠습니다. 지구상에서 가장 큰 화성 운석으로 알려진 ‘NWA 16788’은 15분간의 입찰 끝에 530만 달러(약 73억 원)에 낙찰되며, 역대 가장 비싼 운석이 되었습니다. 무게 24.5kg에 달하는 이 운석은 과학적 희소성과 기원을 모두 갖춘 대표적 자연사 자산으로 주목받았습니다.

또한, 공룡의 유해 중 파키케팔로사우루스의 거의 완전한 두개골과 티라노사우루스의 발 화석은 각각 175만8,000달러(약 24억 원)에 낙찰돼, 공룡 관련 유물에 대한 시장의 수요가 뜨겁다는 점을 보여줬습니다.

흥미로운 점은 이 네 개의 고가 낙찰품 모두가 암호화폐 결제를 허용했다는 것입니다. 공룡과 운석, 그리고 디지털 자산이 만나는 이 새로운 경매 환경은, 과거의 구매 계층과 사뭇 다른 수집가의 유입을 암시하고 있습니다.

한편, 명품 핸드백의 경매 기록도 새롭게 쓰이고 있습니다. 지난 7월 파리 소더비 파리 옥션에서 고 제인 버킨이 실제로 사용했던 오리지널 버킨백이 1,000만 달러(약 137억 원)에 낙찰되며 역대 가장 비싼 핸드백으로 경매사를 장식했습니다. 이 백은 1984년 에르메스 CEO 장 루이 뒤마가 버킨과 직접 협업해 만든 단 하나의 시제품으로, 문화사적 스토리와 상징성이 결합된 상징적 오브제로 여겨지고 있습니다. 오리지널 버킨백은 1994년, 제인 버킨이 에이즈 연구 기금을 마련하기 위해 판매한 이후 여러 개인 소유자를 거쳤습니다. 뉴욕의 현대미술관(MoMA)과 런던의 빅토리아 앤 알버트 박물관(V&A) 전시에 포함되어 주목받은 바 있습니다.

낙찰자는 일본의 럭셔리 리세일 플랫폼인 Valuence의 CEO 사키모토 신스케로 밝혀졌습니다. 사키모토는 이 버킨백을 되팔 계획이 전혀 없으며, 이번 구매는 문화적 유산을 보존하고자 하는 의도에서 결정했다고 말했습니다. 지속가능성을 핵심 가치로 내건 브랜드인 Valuence는 이 버킨백을 그 사명을 구현하는 상징으로 여기고 있으며, 일본에서 전시할 예정이라고 하는데요. 상당한 마케팅 효과를 가져오는 것은 덤이겠지요.

공룡 화석과 버킨백과 같은 자연사 유물과 패션 아이템이 단순한 수집품을 넘어 문화적 자산으로 활발히 거래되고 있는 현상은 수집 시장의 구조가 다각화되고 있음을 보여줍니다. 이러한 흐름은 상징성과 희소성, 스토리텔링이 결합된 오브제가 미술품을 대체 혹은 보완하는 새로운 자산군으로 부상하고 있다는 점을 시사합니다.

이러한 비미술 분야의 부상은 단순한 일시적 트렌드가 아닌 것으로 여겨집니다. 공룡 화석과 버킨백의 공통점은 스토리 기반의 가치 창출에 있습니다. 예술 시장이 다시 활력을 얻기 위해서는, 단순한 작가 중심의 판매 구조를 넘어, 콘텐츠의 내러티브와 상징성, 그리고 공공성과의 접점을 함께 설계해야 할 시점입니다.  다가올 가을 경매 시즌, 우리는 또 한 번 “공룡이 그림보다 비싼” 시대를 목격하게 될지도 모릅니다.