안녕하세요

아트어드바이저 지연입니다.

최신 해외 미술 소식을 배달하는 아트레터가 왔습니다. 💌

시간이 흘러도 기억이 생생한 순간이 있습니다. 뉴욕의 첼시에 있는 갤러리로 출근을 하는 길이었습니다. 맞은편에 새하얀 셔츠에 큼지막한 목걸이를 한 Jay-Z가 성큼성큼 걸어오고 있었죠. 일상적인 출근길에 비현실적인 장면이 끼어들면서 지금 무슨 일이 일어나고 있는 거지? 라는 생각을 하게 만들었습니다. 나중에 그가 페이스 갤러리에서 Picasso Baby의 뮤직비디오를 촬영하기 위해 가는 길이었다는 것을 알게 되었죠. 이 뮤직비디오에는 마리나 아브라모빅의 퍼포먼스를 연상케 하는 무대와 로렌스 와이너와 라시드 존슨과 같은 아티스트들이 대거 등장합니다. 이렇게 대중 음악과 미술이 만나는 경우가 드물지 않게 있는데요. 이번에 새로운 뮤직 비디오 속에 나타난 한 미술 작품을 보고 그 이야기를 해보고 싶었습니다. 뮤직 비디오 속 아는 사람만 안다는 이 작품, 놓치지 마세요.

그럼 이번 주의 흥미로운 미술 소식을 알아볼까요?

1. 개념미술 속으로 걸어 들어간 팝스타, 로드

미술계가 시즌마다 유독 좋아하는 뮤지션들이 있습니다.

작년에는 찰리 XCX였다면, 올해는 로드 Lorde일까요?

열여섯의 나이로 스스로 작사 작곡한 ‘Royals’로 그래미상을 수상하고, 데이빗 보위가 “음악의 미래다”라고 칭했던 뮤지션, 로드의 새 뮤직비디오가 화제입니다.

뉴질랜드 출신의 뮤지션, 로드가 신곡 <맨 오브 더 이어 Man of the Year>를 통해 20세기 미술에 오마주를 표현했습니다. 이번 뮤직비디오는 월터 드 마리아 Walter De Maria의 기념비적인 설치미술 작품인 <뉴욕 어스룸 New York Earth Room>을 연상시키는 무대에서 펼쳐집니다. 젠더 정체성과 자아 표현에 대한 주제를 시각적으로 풀어내기 위해 선택한 이 작품은 어떤 것일까요?

월터 드 마리아의 <뉴욕 어스룸>은 미술사에서 특히 난해하다고 알려진 미니멀리즘과 개념미술의 대표적인 작품입니다. 1977년, 뉴욕 소호의 한 로프트에 설치된 후 지금까지 50년 가까이 전시되고 있는 작품입니다. 땅값이 비싸기로 유명한 소호에, 대형 건물의 한 층 전체를 차지하고 있는 작품 한 점만 무료로 전시하고 있는데, 사진 촬영은 엄격하게 금하고 있어, 아는 사람만 가서 본다는 작품입니다. 철학적이면서도 실현불가능해 보이는 작품을 구상했던 드 마리아의 이 작품을 실제로 마주하는 순간 ‘종교적인 경험을 하는 것 같다’, ‘존재 자체가 기적이다’라는 감상평을 들을 수 있습니다.

<뉴욕 어스룸>은 흙(earth)만으로 구성됩니다. 335평방미터의 바닥을 56 센티미터 높이의 흙이 덮고 있습니다. 127톤에 달하는 무게입니다. 아티스트 월터 드 마리아는 이 비어있으면서도 채워진 공간을 통해 자연물과 실내 공간, 시간성과 물질성 간의 관계를 생각해 보게끔 만들었습니다. 총 세 점이 제작되었지만 두 점은 사라졌고, 마지막에 뉴욕에 설치한 작품만이 현재까지 살아남았습니다. 로드는 이번 뮤직비디오에서 이 공간을 정밀하게 재현한 세트 안에서 퍼포먼스를 펼쳤습니다.

로드는 이번 곡이 2023년 GQ ‘올해의 인물 Man of the Year’ 행사에 참석했을 때 자신의 정체성을 되돌아보게 된 경험을 통해 나온 것이라고 밝힌 바 있습니다. 뮤직비디오에서 로드는 상의를 벗고 여성성의 상징이자 금기로 여겨지는 가슴에 테이프를 붙이는 것으로 시작합니다. 각성 상태에서 움직임을 배워나가는 듯한 몸짓을 이어가며 하얀 벽과 흙 뿐인 절제된 공간 속에서 정체성을 탐색하는 모습을 보여줍니다.

공식 웹사이트를 통해 뮤직비디오 아래에 적힌 문장, “TRYING TO MAKE IT SOUND LIKE A FONTANA, LIKE PAINTING BITTEN BY A MAN, LIKE THE NEW YORK EARTH ROOM. THE SOUND OF MY REBIRTH.”에서 알 수 있듯, 월터 드 마리아 뿐만 아니라 루치오 폰타나의 찢은 캔버스 작품에서도 영감을 받은 것을 알 수 있습니다. 이 퍼포먼스는 개념 미술이 던져온 질문과 함께 자아에 대한 시적이고 상징적인 이야기를 만들어냅니다.

영상에 등장하는 어스룸은 실제 작품이 아닌 재현된 세트입니다. 실제 <뉴욕 어스룸>은 미술 기관 디아 아트 파운데이션이 관리하며, 관람은 투명한 차단막 너머에서만 할 수 있습니다. 안에 들어가 흙을 밟거나 촬영할 수는 없습니다. 이와 관련해 Dia의 큐레이터 마틸데 귀델리-귀디는, 이번 뮤직비디오와 관련해 연락을 받은 적이 없었으며, 재단과 연관이 없는 작업이라고 밝혔습니다. 귀델리-귀디는 영상에 대해 로드의 작품에 대한 재해석이 흥미롭다고 말하면서도 “어스룸은 퍼포먼스나 촬영을 위한 공간이 아니다”라고 분명히 했습니다.

로드의 이번 앨범 커버를 제작한 포토그라퍼 혜지 신 Heji Shin이 독일에서 활동하는 한국계 아티스트인 점도 눈에 띕니다. 도발적이고 장르를 넘나드는 사진 작품으로 알려졌는데요. 전시 활동 외에도 구찌, 지방시, 톰포드의 캠페인을 촬영해 각광받고 있습니다. 뉴욕타임즈가 2019년에 주목해야 할 아티스트 중 하나로 선정되기도 했었죠. 엑스레이로 골반을 찍은 이 앨범 커버 사진의 의미는 무엇일까요? 2025년 버전의 ‘세상의 기원’일까요?

대중 음악이 개념미술과 미니멀리즘의 문법을 빌려 새로운 내러티브를 만들어내는 과정 —

바로 그 지점이 오늘날 예술이 확장되는 방식 중 하나일지도 모르겠습니다.

2. 데미안 허스트 네버 다이 - 사후 예술 실험

인생은 짧고 예술은 길다고 하죠.

자신이 죽고 난 후 200년 동안 자신의 작품이 계속 제작될 수 있도록 계획하고 있는 아티스트가 있습니다.

바로 죽음의 물리적인 불가능성에 도전하는 현대 미술가, 데미안 허스트입니다.

데미안 허스트, 그 이름은 언제나 예술계에서 경계와 금기를 넘나드는 도발의 아이콘이었습니다. 한때 살아 있었던 상어를 포름알데히드에 담았던 그의 대표작처럼, 허스트는 늘 죽음과 존재, 그리고 예술의 의미에 대해 질문을 던져왔죠. 그런 그가 이제는 자신의 죽음 이후까지 예술을 확장하려는 새로운 실험을 구상 중입니다.

허스트는 최근 200권의 공책에 아이디어와 드로잉을 채워넣고 있습니다. 이 공책들은 모두 사후에 제작될 작품의 설계도이자 지시서가 될 예정입니다. 각각의 공책은 허스트 사망 후 1년차부터 200년차까지 매년 열람 및 제작될 수 있도록 기획되고 있습니다. 이 작업을 허스트는 ‘사후 예술(Posthumous Art)’이라 부르고 있습니다.

자신의 사후에 공책에 담긴 미완의 작품들을 제작할 수 있는 권리를 소유하는 증서를 판매할 계획이 있다고 하는데요. 이 증서를 구매한 사람 혹은 기관은 허스트가 생전에 구상을 했지만 실현되지 않은 작품들이 제작할 수 있습니다. 예를 들어, 1991년에 떠올렸지만 제작하지 않았던 한 조각 작품에 대한 설명을 145년의 공책에 담았다면, 그의 사망 145년차에 그 작품을 ‘1991년 구상작’으로 제작해 시장에 선보이는 것이 가능해지는 것입니다.

이 실험은 허스트가 오랫동안 천착해온 주제, 즉 죽음, 유한성, 기억, 그리고 숭고함과 맞닿아 있습니다. 그의 대표작 〈살아있는 자의 마음 속에 있는 죽음의 물리적 불가능성 The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living〉이 보여주듯, 허스트는 죽음을 물리적이고 감각적인 형태로 시각화해왔습니다. 이번 ‘사후 예술’은 그 연장선에서, ‘육체가 사라진 후에도 예술가의 아이디어는 계속 존재할 수 있는가?’라는 질문을 제기합니다.

또한 그는 이미 NFT와 생성 알고리즘 기반의 예술에도 손을 대며, 예술의 디지털적, 탈물질적 가능성을 실험해 왔습니다. 이번 프로젝트는 물리적 형식으로 돌아오되, 시간적 경계를 허무는 개념 예술의 확장이라고 볼 수 있습니다.

허스트의 ‘사후 예술’은 단순히 유산을 남기는 차원이 아닙니다. 그는 작품을 남기는 것이 아니라, 개념의 시간을 유예하고 유통시키는 방법을 고안하고 있는 것이죠. 예술이 창작자의 생애와 얼마나 연결되어야 하며, 죽은 뒤에도 창작이 유효할 수 있는지 — 이는 예술 그 자체에 대한 근본적인 질문을 던지는 시도입니다.

그가 스스로 인정한 것처럼 이 아이디어가 “터무니없다”고 느껴질 수도 있지만, 희대의 상업적 아티스트라 불리는 그의 가장 ‘허스트다운’ 예술적 실천일지도 모르겠습니다.